LA MÁQUINA DE ESPEJOS
Un programa de ideas y debate entorno a la ficción especulativa con una metodología comparativa para establecer analogías entre proyectos de artistas plásticos y escritores de ficción.
Constituido por mesas de debate, exposición y foro de encuentro con curadores, galeristas, directores de proyectos de arte contemporáneo y coleccionistas, asesorado y coordinado por los comisarios españoles Jesús Alcaide y Juan Francisco Ferré.
… el futuro o, más bien, la proyección del futuro en el presente, la sombra del futuro en los signos de la realidad. El arte y la literatura comparten la tarea de desciframiento de esa presencia enigmática. La quimera del futuro o la utopía del porvenir: ese lugar paradójico, ese lugar sin lugar más allá de la imaginación y el deseo…
Juan Francisco Ferré, novelista y crítico cultural.
Es esta futuridad, este aún por-venir, lo que nos lleva a buscar en la
la ficción especulativa, la escritura de anticipación y las artes
contemporáneas, rastros y huellas a partir de los cuales plantear
paralajes y conexiones que nos ayuden a comprender los procesos
de transformación de nuestro(s) tiempo(s).
Jesús Alcaide, comisario independiente.
Sábado 11 abril 2026
LAIA ESTRUCH Y CARLOS PARDO
Galería Ehrhardt Flórez
Jesús Alcaide y Juan Francisco Ferré, comisarios del proyecto, nos guiarán en este viaje comparativo a través del encuentro entre la obra de Laia Estruch (Barcelona, 1981) y la escritura de Carlos Pardo (Madrid, 1975).
Martes 5 mayo 2026
ANA DE ALVEAR Y ANDRÉS IBÁÑEZ
Estudio Ana de Alvear con la colaboración de la Galería Espacio Valverde
Jesús Alcaide y Juan Francisco Ferré, comisarios del proyecto, nos guiarán a través del estudio comparativo de las obras de la artista Ana de Alvear (Madrid, 1962) y del escritor Andrés Ibáñez (Madrid, 1961).
Martes 12 mayo 2026
EUGENIO AMPUDIA Y JUAN FRANCISCO FERRÉ
Galería Max Estrella
Jesús Alcaide nos guiarán a través del estudio comparativo de las obras del artista Eugenio Ampudia (Melgar de Arriba, Valladolid, 1958) y del escritor Juan Francisco Ferré (Málaga, 1962).
Martes 26 mayo 2026
BENE BERGADO Y ELOY FERNÁNDEZ PORTA
Galería Espacio Mínimo
Jesús Alcaide y Juan Francisco Ferré nos guiarán a través del estudio comparativo de las obras de la artista Bene Bergado (Salamanca, 1963) y del escritor Eloy Fernández Porta (Barcelona, 1974).
Intervinientes.
Jesús Alcaide.
Jesús Alcaide (Córdoba, 1977) es investigador, crítico de arte y curador independiente. Desarrolla sus investigaciones y trabajos curatoriales en diferentes territorios de las prácticas artísticas contemporáneas.
Entre las exposiciones que ha comisariado destacan Rock my illusion (Fundación Botí, 2007), (Dutch Play: Nuevos lenguajes audiovisuales en la colección del Netherlands Media Art Institute (I+CAS, 2010), Los nombres del Padre (Centro de arte Pepe Espaliú, 2013), Mario Montez. It’s Wonderful (El Palomar, 2014), Agustín Parejo School (CAAC, 2016), Disfonías (Centro Párraga, 2016), Itziar Okariz. «Itziar Okariz. Una construcción, es decir, una jerarquía de momentos, expresiva de cierto momento grande o pequeño, abstracto esotérico», CA2M, 2017), Pepe Espaliú. Barcelona-Hospitalet. Tres temps (Tecla Sala, 2018), Pepe Espaliú. En estos veinticinco años (García Galería, 2018), Back to school (Fundación Botí, 2018), WB. Aquí están los no muertos (Sant Andreu Contemporani, 2018), FACBA. El cristal ríe (2018), Mia anima nera (Blueproject Foundation, 2019), Pepe Espaliú/Juan Muñoz-Correspondencias (Sala Verónicas, 2019), Vivir-Juntos. Una puesta en común de las distancias (C3A, 2020), Réplica. Tour de force. Joan Morey. IEB. (ARCO 2021), Ones-Olas-Waves (Casal Solleric, Palma, 2023), Apenas gestos (Artnueve, 2024) y Sida. Una historia silenciada en el contexto balear (Es Baluard, Palma, 2024).
Entre el 2010 y 2011 dirigió el I+Cas, Centro experimental y Tecnológico para la Cultura y las Artes de Sevilla.
También ha sido el director artístico de proyectos como Hipertexto (2006-2009) y Textropías (2011), sobre las transformaciones de la creación literaria a partir de las interferencias de los nuevos dispositivos tecnológicos de producción de texto, imagen y sonido, así como co-director de encuentros y jornadas como Jaque a la institución (Universidad Internacional de Andalucía, 2015), Untitled. Experiencias curatoriales (La Térmica, 2019) o Dance this mess around. XXVII Jornadas de la imagen (CA2M, 2022).
En 2018 fue editor del libro Pepe Espaliú. La imposible verdad. Textos 1987-1993 la primera recopilación crítica de los escritos del artista, publicada por la editorial La Bella Varsovia.
Juan Francisco Ferré.
Juan Francisco Ferré (Málaga, 1962) es escritor, profesor y crítico literario. Su novela Providence cosechó excelentes críticas en medios españoles y latinoamericanos y fue considerada, en su edición francesa, una de las grandes revelaciones extranjeras de 2011: «Una lengua literaria ágil: a la vez maliciosa, y llena de esa helada ironía que desplegaba el gran Nabokov» (J. E. Ayala-Dip); «Ferré ha lanzado una bomba posmoderna sobre el planeta libro» (Les Inrockuptibles). Con Karnaval ganó en 2012 el Premio Herralde de Novela: «Si en la ambiciosa Providence había demostrado un talento fuera de lo común, ahora llega mucho más lejos en su lúcido e implacable análisis de nuestra sociedad contemporánea » (J. A. Masoliver Ródenas, La Vanguardia); «La última danza macabra de Ferré es tan morbosamente adictiva, tan brillante en su papel de parada de monstruos posmoderna, que debe ser leída» (Laura Fernández, Playground). En Anagrama ha publicado también El Rey del Juego: «Una historia alocada, imprevisible, tumultuosa, zigzagueante. Una suerte de gloriosa astracanada para leer con los ojos muy abiertos» (José María de Loma, La Opinión de Málaga); «Entre Pynchon y Brautigan se desarrolla esta alucinada ensoñación que tiene mucho de distorsionada bajada a los infiernos» (Jesús Ferrer, La Razón), y Revolución, galardonada con el Premio Andalucía de la Crítica: «El intento logrado por hacer algo diferente con la novelística en español» (Manuel Arias Maldonado, Letras Libres); «Una propuesta narrativa con varias capas de lectura en un escenario distópico sometido por la inteligencia artificial» (Íñigo Urrutia, El Diario Vasco).
Laia Estruch.
Laia Estruch (Barcelona, 1981). Vive y trabaja en Barcelona.
Es Licenciada en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona. Estudió su último año de licenciatura en la Universidad The Cooper Union (New York, 2010).
La voz y el cuerpo son los elementos que vertebran la investigación de Laia Estruch, una práctica artística situada a caballo entre la escultura y la acción. La artista entiende la voz como una extensión del cuerpo capaz de sintetizar cuestiones relativas al lenguaje, al habla, al género o a las estructuras sociales. En su trabajo más reciente, la artista ha investigado cómo los espacios urbanos y sus estructuras físicas juegan un papel importante en la vida cotidiana. Utilizando el ‘spoken word’, la canción, los objetos y las publicaciones, sus proyectos analizan las posibilidades emotivas de la voz a cappella y el cuerpo sin teatralizar, abriendo un espacio de reflexión en relación al carácter performativo del lenguaje, la grabación sonora y su archivo oral. Diseña sets escultóricos concebidos como escenas, espacios de experimentación, que le permiten llevar el cuerpo y la palabra al terreno de la acción a través de la voz, sonora y gestual.
Carlos Pardo.
Carlos Pardo nació en Madrid en 1975. Es autor de los libros de poemas El invernadero (finalista del Premio de poesía Hiperión; Hiperión, 1995), Desvelo sin paisaje (Premio Emilio Prados de poesía joven; Pre-Textos, 2002), Echado a perder (Premio Generación del 27; Visor, 2007), Los allanadores (Pre-Textos, 2015; Premio Ojo Crítico 2016 y traducido al italiano); y La comedia de la carne (La Bella Varsovia, 2025). Su poesía se ha recogido en las antologías Hacer pie. Poemas reunidos (Hum, 2011), en Chile, y El animal ha llegado a una edad (Conaculta, 2013), en México. También ha publicado las novelas Vida de Pablo (Periférica, 2011), El viaje a pie de Johann Sebastian (Periférica, 2014) y Lejos de Kakania (Periférica, 2019).
Ana de Alvear.
Ana de Alvear utiliza arquetipos, centrándose especialmente en la autoestima y su desarrollo. Estos arquetipos se utilizan para facilitar su identificación o rechazo en el espectador, quien está condenado a tener que superar su reticencia para llegar a la sabiduría fundamental de su propia identidad. El espectador se involucra en un diálogo que transforma su percepción física y espiritual, desafiando sus sentimientos arquetípicos al separar los elementos de la realidad a los que pertenecen, cambiando su significado intrínseco. A través de relatos visuales, se invita al espectador a encontrar los límites de sí mismo, teniendo la oportunidad de moverse desde su entorno habitual o zona de confort. Se lleva al espectador a reflexionar sobre sus propios prototipos visuales y sus arquetipos respecto a «el niño» o «el adulto», pudiendo así resolver este paradigma de manera individual.
Andrés Ibáñez.
Andrés Ibáñez nació en Madrid en 1961. La música y la literatura siempre han estado en el centro de su actividad. Estudió piano en el Conservatorio Superior de Música de Madrid y Filología Hispánica en la Universidad Autónoma de Madrid. Después de dejar el conservatorio se dedicó a tocar jazz profesionalmente durante 10 años. En 1989 se fue a vivir a Nueva York, donde terminó su primera novela y estrenó varias obras de teatro. Es autor de las novelas La música del mundo (2003, premio Ojo Crítico), El mundo en la Era de Varick (1999) y La sombra del pájaro lira (2003), una novela para jóvenes, El parque prohibido (2005) y un libro de relatos, El perfume del cardamomo (2008, premio NH de relatos). Su última novela es Memorias de un hombre de madera (2009, premio Tristana del Ayuntamiento de Santander).
Eugenio Ampudia.
Melgar, Valladolid, 1958. Vive y trabaja en Madrid.
En la actualidad uno de los artistas españoles más reconocidos. Su trabajo multidisciplinar recibió el Premio AECA al mejor artista español vivo representado en ARCO18 – que ya obtuvo en 2008-, y el Premio ARCO-BEEP, Colección de Arte Electrónico. También en 2008, la beca The Delfina Foundation (Londres).
Su trabajo indaga, bajo una actitud crítica, sobre los procesos artísticos, el artista como gestor de ideas, el papel político de los creadores, el significado de la obra de arte, las estrategias que permiten ponerla en pie, sus mecanismos de producción, promoción y consumo, la eficacia de los espacios asignados al arte, así como sobre el análisis y experiencia de quien las contempla e interpreta.
José María de Francisco Guinea.
José María de Francisco Guinea, Madrid 1969.
Es director de Estampa, Feria Internacional de Arte Contemporáneo desde 2011 y es socio fundador de 9915, Asociación de Coleccionistas Privados de Arte Contemporáneo. Desde 2010 pertenece del Consejo de Cultura de la Comunidad de Madrid.
En 2014 crea y dirige COLECCIONA, impulsado por el Ministerio de Cultura y Deporte, como un programa de estímulo, formación, encuentro y reconocimiento del coleccionismo de arte contemporáneo y mecenazgo de la cultura en nuestro país que va ha cumplido en 2025 su duodécima edición.
En 2018 publicó el estudio Conversaciones con Coleccionistas para la editorial La Fábrica en colaboración con el psiquiatra y coleccionista Luis Caballero. En diciembre de 2020, realiza y dirige Tangram una serie de podcast sobre coleccionismo y mercado del arte en Spotify. Y en 2021 estrena como director los documentales: Coleccionar. La creación de un mundo propio y La invención del Coleccionismo. Arte, mercado y pandemia, ambos en la plataforma española de cine Filmin.
Experto en galerismo, coleccionismo y mercado de arte contemporáneo, ha impartido clases y conferencias en masters de arte y mercado de distintas instituciones como la Universidad Complutense de Madrid, Universidad Carlos III, Nebrija, Universidad de Málaga, Universidad de Vigo, Universidad de Cádiz, en la Universidad Internacional Menéndez Pelayo, en la Universidad San Pablo CEU y en el Master de dirección de proyectos Culturales de La Fábrica.
Como crítico y comisario, ha realizado exposiciones y publicaciones de artistas, escritores y músicos como Pablo Palazuelo, Antoni Tapies, Gustavo Torner, Jaume Plensa, Carlos León, José Manuel Broto, José María Sicilia, Miquel Barceló, Llorenç Barber, Juan Eduardo Cirlot, Julián Ríos, Fernando Millán, Darío Urzay, José Luis Castillejo, José Manuel Ballester o Pierre Gonnord, así como exposiciones de arte sonoro, música contemporánea y poesía experimental, y sobre colecciones privadas de arte contemporáneo en nuestro país como las de Colección Himalaya, Colección Los Bragales, Archivo Lafuente, Nueva Colección Pilar Citoler o del Club Matador de Madrid.
Tras obtener su licenciatura en Ciencias de la Información por la Universidad Europea de Madrid en 1994, amplía su formación con estudios de doctorado en Filología y Literatura Española, Estética, Historia del Arte y Documentación en la Universidad Complutense de Madrid, y Estética y Retórica Musical en el Centro para la Difusión de la Música Contemporánea y el Real Conservatorio de Madrid.
Eloy Fernández Porta.
Eloy Fernández Porta (Barcelona, 1974) es doctor en Humanidades por la Universitat Pompeu Fabra, con Premio Extraordinario de Doctorado. Ha publicado trece libros de «crítica mutante cuyas ideas se metamorfosean en estilo y forma narrativas» (Christine Henseler). En Anagrama han aparecido Afterpop, Homo Sampler, €RO$ (Premio Anagrama de Ensayo), Emociónese así (Premi Ciutat de Barcelona), En la confidencia, Las aventuras de Genitalia y Normativa, Los brotes negros y, en catalán, L’art de fer-ne un gra massa. Pionero en las modalidades expandidas de la teoría, ha trasladado sus textos al spoken word en los grupos Afterpop Fernández & Fernández (con Agustín Fernández Mallo) y Mainstream (con Jose Roselló) y ha realizado el monólogo teatral Granito del Nuevo Mundo. Sus ensayos han sido adaptados al cómic (por Carlos Maiques y Marcos Prior) y a la videocreación (por Carles Congost y Natxo Medina). Ha sido traducido al inglés, francés y portugués. Su último libro en Anagrama es Medianenas & Milhombres.
Bene Bergado.
BENE BERGADO (Salamanca, 1963), es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco. En1987 obtuvo la Beca de Creación Artística de la Diputación Foral de Vizcaya y fue Profesora de la Facultad de Bellas Artes del País Vasco desde 1987 hasta 1997. Actualmente vive y trabaja en Madrid.
Sus obras habitan los intrincados dispositivos y procesos en los que lo real, la realidad y la ficción se articulan y desarticulan en híbridos vivenciales. En sus esculturas, todo es simultáneamente verosímil y equívoco, sospechoso y veraz. Todo se muestra como encrucijada representacional que apela a la memoria y a la narración, al recuerdo y a la ficción, a la concreción y al espejismo, a las experiencias vividas y a la fuerza del imaginario. Y los resortes de la ficción se vuelven indiscernibles de los mecanismos de la conciencia.
SEDES.
Galería Ehrhardt Flórez
Madrid
Estudio Ana de Alvear
Madrid
Galería Max Estrella
Madrid
Galería Espacio Mínimo
Madrid
